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Hasta el 13 de septiembre de 2026, el Museo Guggenheim Bilbao albergará Ruth Asawa: Retrospectiva, una exposición que conmemora el centenario del nacimiento de una de las artistas más innovadoras del siglo XX. Organizada en colaboración con el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) y el Museum of Modern Art de Nueva York (MoMA), esta muestra reúne por primera vez en Europa una selección exhaustiva de la producción de Ruth Asawa (Norwalk, 1926 – San Francisco, 2013), desde sus primeras exploraciones con alambre en los años cuarenta hasta sus últimas obras en papel de principios del siglo XXI.

Comisariada por Janet Bishop y Cara Manes con la colaboración de Geaninne Gutiérrez-Guimarães, la exposición presenta más de doscientas piezas que abarcan esculturas de alambre en bucle, obras de alambre atado inspiradas en la naturaleza, fundiciones en bronce, papiroflexias, pinturas, dibujos, cuadernos de bocetos y grabados realizados entre 1947 y 2006. Este recorrido cronológico y temático permite apreciar cómo Asawa trascendió las distinciones tradicionales entre abstracción y representación, figura y fondo, espacio positivo y negativo, creando un lenguaje visual único que sigue resonando en el arte contemporáneo.

El núcleo de la exposición lo constituyen las esculturas de alambre que Asawa comenzó a desarrollar tras su viaje a México en 1947, donde descubrió las técnicas de cestería que transformaría en un medio escultórico revolucionario. Sus formas continuas, como la emblemática Sin título (S.270, Forma continua colgante de seis lóbulos entrelazada dentro de otra forma, con esferas en los lóbulos primero y segundo) de 1955, exemplifican su concepto de «una forma que está dentro y fuera al mismo tiempo». Estas piezas, creadas mediante un proceso meticuloso de bucles de alambre, dialogan con la arquitectura del Guggenheim, donde la luz filtra a través de las estructuras creando juegos de sombras que amplían la experiencia espacial.

La década de 1950 marcó un punto de inflexión en la carrera de Asawa con el desarrollo de su motivo escultórico más característico: la forma continua dentro de otra forma. Como explicaba la artista, «el alambre debe ser continuo y las configuraciones huecas solo pueden crecer de este modo». Esta filosofía se materializa en obras que exploran la transparencia y la permeabilidad, desafiando las nociones convencionales de volumen escultórico. La exposición incluye ejemplos clave de este período, como las esculturas colgantes que Asawa seleccionó para sus primeras exposiciones individuales en la Peridot Gallery de Nueva York, donde su trabajo comenzó a ganar reconocimiento internacional.

Un aspecto fundamental de la práctica de Asawa fue su relación con la naturaleza, que se manifiesta tanto en sus esculturas de alambre atado como en sus dibujos botánicos. En la década de 1960, tras recibir una planta seca del Valle de la Muerte, comenzó a crear formas orgánicas que imitaban los patrones de crecimiento natural. Obras como Sin título (S.184, Forma colgante de alambre atado con un solo tallo y múltiples ramas, inspirada en la naturaleza) de 1962 demuestran su habilidad para transformar un material industrial en representaciones de delicadeza vegetal. Esta conexión con lo natural también se refleja en sus grabados realizados durante su residencia en el Tamarind Lithography Workshop en 1965, donde creó estampas de flores y plantas que revelan su mirada atenta al mundo que la rodeaba.

La exposición dedica especial atención a la faceta pública de Asawa, destacando su compromiso con el arte comunitario y los encargos públicos que realizó a partir de la década de 1960. Tras mudarse definitivamente a San Francisco en 1949, la artista se involucró activamente en la vida cultural de la ciudad, ocupando cargos en la Comisión de las Artes y defendiendo el papel transformador del arte en la sociedad. Obras como la Fuente Andrea (1968) en Ghirardelli Square, con sus figuras de sirenas y tortugas, o las Fuentes de Origami (1975-76) para el barrio japonés de San Francisco, ejemplifican su visión del arte como espacio de encuentro y memoria colectiva. El Monumento Conmemorativo del Internamiento de Japoneses Estadounidenses (1994), creado en colaboración con su hijo Paul Lanier, aborda directamente la experiencia traumática de los campos de internamiento, subrayando el componente político de su práctica artística.

El hogar de Asawa en Noe Valley, donde vivió con su familia desde 1961, ocupa un lugar central en la narrativa de la exposición. Allí, entre jardines y talleres, la artista desarrolló una práctica interdisciplinar que abarcaba desde esculturas monumentales hasta dibujos íntimos de flores y moldes faciales de amigos y familiares. Como afirmaba la propia Asawa, «mi casa era y sigue siendo mi estudio», una declaración que refleja su concepción integradora del arte y la vida cotidiana. La exposición recrea este ambiente mediante fotografías, documentos personales y obras que muestran cómo su entorno doméstico se convirtió en un laboratorio de experimentación constante.

La retrospectiva culmina con una reflexión sobre el legado de Asawa, cuya obra anticipó preocupaciones contemporáneas como la sostenibilidad, la colaboración comunitaria y la redefinición del espacio público. Las comisarias destacan cómo su enfoque innovador del material y su capacidad para crear diálogos entre disciplinas distintas la convierten en una figura clave para entender la evolución del arte moderno. Al recorrer las diez secciones de la exposición, el público descubre no solo la diversidad técnica de Asawa, sino también su capacidad para transformar experiencias personales en un lenguaje universal.

Ruth Asawa: Retrospectiva ofrece así una oportunidad única para redescubrir a una artista cuya obra, aunque profundamente arraigada en su contexto histórico, sigue planteando preguntas relevantes sobre la relación entre arte, naturaleza y sociedad. Como señalaba la propia Asawa, «todo está conectado», una idea que resuena con particular fuerza en esta exposición que celebra su centenario y reafirma su lugar en la historia del arte del siglo XX.