El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) inaugura tres propuestas que, aunque independientes, tejen un mapa de preguntas compartidas: ¿Cómo habitamos los espacios? ¿Qué huellas dejan en nosotros la memoria, el desplazamiento o la identidad? Las propuestas de Haegue Yang, Sofía Salazar Rosales y Joshua Serafin invitan a recorrer el centro desde la protección simbólica, la arquitectura afectiva y la cosmología queer, respectivamente. Cada una, a su manera, desafía al público a repensar su relación con el arte, el cuerpo y el entorno.
Haegue Yang: Ximenawa, el umbral entre lo sagrado y lo contemporáneo
El atrio del C3A acoge Ximenawa (2025), una instalación de Haegue Yang (Seúl, 1971) que actúa como bienvenida y barrera simbólica. Inspirada en el shimenawa –cuerda ritual shintoísta que delimita lo sagrado–, la obra fusiona técnicas artesanales mexicanas con la abstracción escultórica de la artista coreana. Yang, conocida por su capacidad para traducir lo histórico y lo político en formas tangibles, convierte este elemento tradicional en un objeto que dialoga con la arquitectura del centro.
Gilberto González, subdirector artístico del C3A, destaca cómo la pieza «crea un juego entre ligereza y densidad, activando el tránsito del visitante». Ximenawa no solo marca un límite físico, sino que propone una reflexión sobre la protección, la memoria y la permeabilidad de los espacios públicos. Su inclusión en el programa Plaza Pública refuerza la vocación del C3A por integrar el arte en la experiencia cotidiana, donde obras como Sin título (Intruso II) de Christian Lagata o Habitación vegetal III de Cristina Iglesias ya habían abierto caminos similares.
Yang, con una trayectoria que incluye participaciones en la Bienal de Venecia y dOCUMENTA (13), demuestra aquí cómo lo ancestral puede resonar en el presente. Su obra, elaborada con materiales que van desde persianas venecianas hasta campanas, desafía las fronteras entre lo moderno y lo premoderno, invitando a una experiencia sensorial que trasciende lo visual.
Sofía Salazar Rosales: Travesías de una lágrima, un recorrido por la memoria migrante
En el Atrio 1, Sofía Salazar Rosales (Quito, 1999) despliega Travesías de una lágrima, su primera exposición individual en una institución pública española. La muestra, comisariada por Jimena Blázquez Abascal, se articula como un itinerario físico y emocional donde doce obras exploran la relación entre cuerpo, estructura y memoria. Salazar Rosales utiliza materiales vinculados a la construcción –rejas de cartón, asfalto, andamios– para crear un paisaje que evoca desplazamientos, fronteras y arraigos.
La exposición comienza con Gesto: dibujos sobre el miedo, sensualidad y muros (2026), una instalación de rejas que filtran la luz y las miradas, simbolizando la permeabilidad de las fronteras. En Ellas piden quedarse (2026), redes tejidas a mano sostienen objetos que aluden a la explotación de recursos y los desplazamientos forzados, como los vinculados a la industria bananera. Obras como Cuando el esqueleto axial decide hablar (ofrenda) (2026) o Ellas buscan enraizarse (2022-2025) –una columna de neumáticos fundidos en asfalto– hablan de la tensión entre movilidad y permanencia.
Blázquez Abascal subraya que la muestra «se activa como una experiencia de desplazamiento sensible». Salazar Rosales convierte el espacio en un territorio en transformación, donde el público no sigue un camino predeterminado, sino que descubre conexiones entre materiales, gestos y estructuras. La obra ¿Qué esconde la ciudad en un abrazo? (2023), que cierra el recorrido, sintetiza esta idea: dos piezas industriales entrelazadas, duras en su materialidad pero tiernas en su forma, como un abrazo que revela lo que la urbe oculta.
Joshua Serafin: Partir el corazón de la serpiente, cosmologías queer y resistencia
En la Sala T4, Joshua Serafin (Filipinas, 1995) presenta Partir el corazón de la serpiente, su primera exposición individual institucional. La muestra, acompañada por textos de Inti Guerrero, gira en torno a Void (2023), una videoinstalación que formó parte de su trilogía Cosmological Gangbang y que se volvió viral tras su presentación en la Bienal de Venecia 2025. Serafin, artista filipino-belga, utiliza el cuerpo como campo de batalla donde convergen la historia colonial, las narrativas míticas y la búsqueda de una identidad no binaria.
Void muestra a Serafin como una «deidad fantasmal», según Guerrero, cuyo cuerpo radiante se transforma constantemente, eludiendo categorías fijas de género o raza. La performance, que el artista repetirá en vivo durante la inauguración, se complementa con esculturas tituladas Reliquias. Estas piezas no son objetos devocionales al uso, sino herramientas rituales que preservan «formas de vida queer y culturas híbridas excluidas de la memoria oficial», explica Guerrero.
Serafin propone una lectura crítica de la colonialidad, especialmente en cómo esta ha fracturado las cosmologías indígenas filipinas. Su obra, que oscila entre lo apocalíptico y lo esperanzador, invita a repensar la modernidad desde márgenes que la historia oficial ha ignorado. La exposición, que permanecerá abierta hasta agosto, confirma su lugar como una de las voces más innovadoras del arte contemporáneo, capaz de entrelazar danza, video y escultura en un mismo gesto político.
Tres exposiciones, un diálogo
Las propuestas de Yang, Salazar Rosales y Serafin convergen en su capacidad para convertir el C3A en un espacio de pregunta activa. Mientras Yang protege el umbral con símbolos ancestrales, Salazar Rosales construye recorridos que hablan de migración y arraigo, y Serafin desmonta las narrativas coloniales desde el cuerpo y el ritual.
