La nave de los locos
SALAS 3 Y 4 — 17 de junio, 2023 – 7 de enero, 2024
La nave de los locos es el título de la primera exposición antológica del artista Juan Ugalde (Bilbao, 1958), en la que a través de más de noventa obras se despliegan cuatro décadas de su trayectoria, las transcurridas entre 1982 y 2022. El collage constituye el núcleo del poliédrico trabajo del artista; que abarca no solamente la pintura, sino también el vídeo, la instalación, la performance, lo digital, y su participación en distintos colectivos artísticos de índole socio-política tales como el histórico Estrujenbank (1989-1993) o el actual Imagina Escorial.
Esta exposición, producida específicamente para el MUSAC, consiste en una presentación por acumulación de sus obras, una suerte de collage de collages o de “meta obra” del teatro ugaldiano, atravesada por una experiencia del exceso y de la vorágine.
La muestra se acompaña de una publicación que incluye imágenes de todas las obras expuestas y varios textos realizados por la comisaria de la exposición, Nathalie Pariente, el poeta y ensayista Roger Wolfe, el historiador Horacio Fernández y el crítico de arte Quico Rivas, así como una selección de textos del propio Juan Ugalde.
Exotermia. Semiótica de la ubicación en la Colección MUSAC
SALA 1 — 17 de junio, 2023 – 7 de enero, 2024
Artist’s Poster Committee of Art Workers Coalition [Coosje van Bruggen, Frazer Dougherty, Mary Frank, Jon Hendricks, Max Kozloff, Claes Oldenburg, Irving Petlin], Eugenio Ampudia, Dan Attoe, Txomin Badiola, Antonio Ballester Moreno, Gabriele Basilico, Natividad Bermejo, Bleda y Rosa, Alán Carrasco, Gregory Crewdson, Philip-Lorca DiCorcia, Rineke Dijkstra, Marcel Dzama, Roland Fischer, Till Freiwald, Philipp Fröhlich, Alberto García-Alix, Anthony Goicolea, Piero Golia, Candida Höfer, Zhang Huan, Isaac Julien, Immo Klink, Ellen Kooi, Leonilson, Lisipo, Jen Liu, Marcos López, Cristina Lucas, Lovett/Codagnone, Josephine Meckseper, Julie Mehretu, Yasumasa Morimura, Zwelethu Mthethwa, Muntean/Rosenblum, Shirin Neshat, Tatiana Parcero, Concha Pérez, Policleto, Praxíteles, Gonzalo Puch, Caio Reisewitz, Thomas Ruff, Ixone Sádaba, Yinka Shonibare, Sam Taylor-Wood, Delhy Tejero, Belén Uriel, Xavier Veilhan, Nicola Verlato, Akram Zaatari.
Comisariado: Álvaro Rodríguez Fominaya
En el desarrollo de una exposición se dedica un enorme esfuerzo a determinar la ubicación de cada obra de arte en el espacio. ¿Qué sucede si partimos de un sistema codificado en el que el emplazamiento es determinado por unas reglas universales? ¿Cómo afectaría a las obras de arte? Durante el siglo XVIII esta cuestión fue resuelta en la Royal Academy (Londres) mediante el desarrollo del concepto de la línea, una traza imaginaria que estructura como se cuelgan los cuadros siguiendo una lógica de jerarquía vinculada a los géneros de la pintura.
Esta muestra de la colección MUSAC parte de este punto de reflexión para desarrollar una investigación más amplia en torno a los sistemas de montaje y cómo podemos abordar desde el estado actual este análisis. Esta lectura contemporánea del sistema del siglo XVIII se complica aún más al introducir reproducciones de esculturas de la Antigüedad Clásica procedentes del Museo Nacional de Escultura y entrar en diálogo con obras del siglo XX y XXI. En esta exhibición la arquitectura de Mansilla y Tuñón fuerza a adoptar estrategias del justificado de los procesadores de texto, produciendo distorsiones en este sistema de expositivo y estimulando la reacción exotérmica que da título a la muestra, como si se tratase de un gran generador.
Tatiana Parcero. Caso de estudio Colección MUSAC
PROYECTO VITRINAS — 17 de junio, 2023 – 7 de enero, 2024
La iniciativa Casos de estudio sobre la Colección MUSAC nace en marzo de 2022 con el fin de fomentar el conocimiento de los fondos del museo y dar a conocer el resultado de las investigaciones y estudios que se llevan a cabo en torno a las obras y artistas que los integran. Se llevan a cabo mediante una estrecha colaboración entre el personal encargado de la gestión de la colección y el o la artista en cuestión; y se abordan desde un punto de vista interdisciplinar, de tal manera que se muestra la trayectoria del artista; los aspectos técnicos y conceptuales de la obra; sus necesidades de conservación; el modo de producción; su posible adscripción a escuelas; su historia dentro del museo; su participación en exposiciones, etc.
Tras dos primeras entregas dedicadas a los fotógrafos Jordi Bernadó y Concha Prada, esta nueva muestra estará dedicada a Tatiana Parcero, a través de sus obras Cartografía interior #35, Re-invento #22, Re-invento #19; así como seis piezas pertenecientes a su proyecto Actos de fe.
Desde principios de la década de los noventa, la obra de Tatiana Parcero (D.F., México, 1967) se ha concentrado en el cuerpo y el autorretrato, incorporando diversas técnicas mecánicas de fotografía, imagen digital o vídeo con las que retrata el cuerpo humano en búsqueda de planteamientos estéticos y conceptuales, como son la reconstrucción de experiencias y conceptos como la identidad, la memoria, el territorio o el tiempo.
Cartografía interior, Actos de fe y Re-invento son grupos de obras que reflexionan sobre la identidad y el cuerpo. Técnicamente responden al mismo planteamiento formal: todas ellas se componen de fotografías en blanco y negro de partes del cuerpo impresas en acetato superpuestas a fotos de diagramas de anatomía y códices precolombinos, que combinadas conforman un mapa cartográfico humano lleno de capas, y por lo tanto lleno de significados y connotaciones. La idea principal de la artista, en sus propias palabras, fue «redefinir el interior del cuerpo; explorar el espacio interior desde afuera como proceso de auto-conocimiento y, al mismo tiempo, tener la posibilidad de mostrar lo que a simple vista no se ve. Estas imágenes son una manera de constituir imágenes visuales y de explorar el cuerpo como un mapa; de mostrar el interior del cuerpo y lo que no es visible en primera instancia».
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