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Yayoi Kusama, una de las artistas más reconocibles e influyentes del arte contemporáneo internacional, murió el 14 de agosto de 2026 en un hospital de Tokio, a los 97 años. La noticia se hizo pública ayer, 27 de agosto, a través de un comunicado difundido por el Museo Yayoi Kusama y la Fundación Yayoi Kusama. «Nunca dejó el pincel», se lee en el anuncio, que recuerda cómo la artista continuó trabajando hasta sus últimos días, impulsada por una investigación sobre el amor, el infinito y la disolución del yo que había guiado más de setenta años de su trayectoria.
Una carrera que abarcó todas las disciplinas
A lo largo de su extensa carrera, Kusama trabajó en los ámbitos de la pintura, la escultura, la instalación, la performance, la moda, la literatura y el cine, dejando en cada uno una huella imborrable. Hoy, sus obras forman parte de las colecciones de algunas de las instituciones más importantes del mundo, como el MoMA y el Whitney Museum of American Art de Nueva York, o la Tate Modern de Londres.
De la infancia en Matsumoto a las primeras obsesiones visuales
Nacida en Matsumoto (prefectura de Nagano) el 22 de marzo de 1929, Kusama desarrolló un lenguaje artístico inmediatamente reconocible, basado en lunares, redes, superficies reflectantes y calabazas. En las últimas décadas, estas imágenes se convirtieron en fenómenos globales, reproducidos y reconocibles mucho más allá de los límites del mundo del arte. Sin embargo, surgieron de un núcleo profundamente personal y de un proceso obsesivo de repetición arraigado en su infancia.
Kusama contó en múltiples ocasiones que, desde niña, experimentaba visiones en las que flores, puntos y patrones se multiplicaban hasta ocupar por completo su campo visual, borrando progresivamente los límites entre su cuerpo y el entorno. La repetición se convirtió así en una forma de lo que ella llamaría «autodestrucción» (Self-obliteration), un procedimiento mediante el cual el individuo parece disolverse dentro de un espacio potencialmente infinito.
Nueva York y el nacimiento de los Infinity Nets
Tras estudiar pintura tradicional nihonga en Kioto —una formación que pronto percibió como demasiado rígida—, Kusama volvió la mirada hacia la escena artística estadounidense. En este proceso desempeñó un papel clave su correspondencia con Georgia O’Keeffe, a quien la joven artista escribió para enviarle imágenes de sus obras y pedirle consejo sobre cómo abrirse camino en Estados Unidos. A finales de los años cincuenta se trasladó a Nueva York, donde se adentró en un mundo de vanguardia dominado por hombres y en el que su condición de joven artista japonesa la relegaba en una posición marginal.
Fue precisamente en Nueva York donde tomó forma uno de los primeros núcleos fundamentales de su investigación. Con los Infinity Nets —grandes superficies cubiertas por diminutos signos repetidos hasta el infinito—, Kusama llevó la pintura hacia un territorio en el que el gesto, la acumulación y la serialidad buscaban negar la expresión individual.
Su obra se desarrolló en paralelo al minimalismo, el Pop Art y las nuevas prácticas performativas, en un entorno frecuentado por artistas como Donald Judd, Andy Warhol y Claes Oldenburg. Sin embargo, la posición de Kusama nunca llegó a encajar del todo en un único movimiento: su trabajo combinaba abstracción, obsesión, erotismo, crítica social, participación del público y una progresiva desmaterialización del espacio.
Performance, cuerpo y contestación en los años sesenta
En los años sesenta, la repetición salió de la superficie del lienzo para invadir objetos y entornos. Surgieron las Accumulations (Acumulaciones), en las que muebles y objetos cotidianos aparecían cubiertos por proliferaciones de formas blandas, a menudo fálicas, mientras los lunares comenzaban a extenderse sobre los cuerpos y por el espacio a través de happenings y performances.
Arte y vida, sexualidad y política se entrelazaban en acciones públicas que Kusama utilizó también para posicionarse contra la guerra de Vietnam y los códigos morales de la sociedad estadounidense. El cuerpo pasaba a formar parte de la obra, y el motivo del lunar se convertía en una herramienta para disolver las fronteras entre individuo, espacio y entorno.
La Bienal de Venecia y Narcissus Garden
En 1966 tuvo lugar uno de los episodios más famosos de su carrera. Sin haber sido invitada oficialmente a la Bienal de Venecia, Kusama instaló cerca del Pabellón de Italia cientos de esferas reflectantes, que incluso intentó vender a lxs visitantes como parte de su intervención Narcissus Garden (El jardín de Narciso). Las superficies reflectantes multiplicaban simultáneamente la imagen del público y la del entorno, poniendo en tensión el narcisismo, la serialidad, el espectáculo y el valor comercial del arte.
Casi treinta años después, en 1993, Kusama regresaría a la Bienal, esta vez como representante oficial de Japón, en una consagración ya plenamente internacional.
Las Infinity Mirror Rooms y el regreso a Japón
A finales de los años sesenta se remontan también sus primeros experimentos con entornos reflectantes, que décadas después se convertirían en las famosas Infinity Mirror Rooms (Salas de espejos infinitos). En ellas, el dispositivo de la repetición adquiere una dimensión física: espejos, luces, objetos y el propio cuerpo del visitante se multiplican aparentemente sin límite.
La experiencia inmersiva que ofrecen —convertida en uno de los fenómenos museísticos más populares del siglo XXI— conserva, no obstante, el núcleo original de la investigación de Kusama: el deseo y, al mismo tiempo, el temor a perder los propios límites dentro de un espacio infinitamente proliferante.
De vuelta en Japón en los años setenta, Kusama atravesó una etapa de menor visibilidad internacional. Desde 1977, eligió vivir en una clínica psiquiátrica de Tokio, aunque continuó acudiendo regularmente a su estudio para trabajar. A su producción visual añadió novelas y poesía, prolongando una práctica creativa que, en esencia, ya nunca interrumpiría.
Las calabazas y la consagración internacional
Su redescubrimiento internacional se hizo especialmente evidente a partir de los años noventa y fue dando paso, progresivamente, a una popularidad sin precedentes. Las calabazas, presentes en su imaginario desde la infancia, se convirtieron en uno de los motivos más reconocibles de su producción. Sus grandes instalaciones ambientales llegaron a museos y espacios públicos, mientras que las Infinity Mirror Rooms comenzaron a atraer largas colas de visitantes en todo el mundo.
Paralelamente, Kusama desarrolló una capacidad excepcional para trasladar su lenguaje del arte contemporáneo a la cultura de masas. Gracias a sus colaboraciones con el mundo de la moda —especialmente la iniciada con Louis Vuitton en 2012 y retomada posteriormente—, sus patrones se difundieron a escala internacional y contribuyeron a convertir a la propia artista, con su peluca roja y sus vestidos de lunares, en una figura icónica.
Esta dimensión espectacular y comercial corrió a menudo el riesgo de eclipsar la complejidad de una investigación iniciada décadas atrás, cuando aquellos mismos signos eran, ante todo, herramientas con las que explorar la percepción, la angustia, el deseo y la pérdida de identidad.
El punto como medida del universo
Tras la aparente simplicidad de un repertorio inmediatamente reconocible, Kusama construyó una de las experiencias artísticas más singulares de los siglos XX y XXI. El punto, repetido miles y después millones de veces, se convirtió en una unidad mínima desde la que cuestionar la distinción entre individuo y universo, lleno y vacío, presencia y desaparición. Del mismo modo, los espejos de sus salas enfrentaban al público con la vertiginosa reproducción de su propia imagen hasta el infinito.
La difusión global de su obra la convirtió en los últimos años en una de las artistas más populares del mundo, pero su trayectoria sigue siendo la de una figura radicalmente anómala: marchó del Japón de posguerra, llegó a la Nueva York de las vanguardias, fue protagonista de happenings políticos y sexualmente explícitos, pasó años al margen del reconocimiento internacional y, finalmente, se transformó en un icono cultural mundial.
«Nunca dejó el pincel»
Su muerte ocurrió el 14 de agosto, pero Kusama siguió trabajando, incluso simbólicamente, hasta el final. En el comunicado difundido el 27 de agosto, las instituciones que llevan su nombre recordaron una vida enteramente consagrada a la creación y anunciaron su intención de continuar su legado a través del arte: «Siguió pintando hasta sus últimos días, sin abandonar nunca el pincel, y mantuvo firme su convicción de que el amor puede salvar al mundo», se lee.
La exposición KUSAMA’s POP, actualmente en el Museo Yayoi Kusama de Tokio, continuará como estaba previsto hasta el 30 de agosto.
